Résumé : Comment expliquer l'attrait du manga ? Il s'agit sans doute du triomphe moderne du feuilleton en bande dessinée. L'impact de cette culture populaire sur les imaginaires contemporains est lié à l'histoire des médias au Japon. Les dynamiques économiques ont façonné le processus créatif et contribué à la formation d'une poétique matérielle spécifique. Découvrez comment les auteurs japonais soumis à des contraintes de production intense parviennent à cultiver un foisonnement inventif au niveau des genres narratifs, des techniques de représentation et des styles graphiques.

Résumé : Ce document a pour but de faire connaitre au public les divers aspects du cinéma d'animation qui est aussi un cinéma d'auteur très créatif et très riche, bien au delà du dessin animé traditionnel pour enfants. Toutes les techniques sont ici présentées : du cinéma animé bien connu du grand public aux technologies les plus avancées et les plus récentes. Le choix des films proposés tente de présenter, sans prétendre à l'exhaustivité les aspects techniques, stylistiques, narratifs, historiques et contemporains de ce cinéma en évolution permanente.

Résumé : Durée : 50 min. "Pour la première fois, Bartabas a accepté la présence d’une caméra dans le secret de son quotidien d’homme de cheval. Jour après jour, la caméra va s’immiscer dans le secret de son univers créatif. Que le décor soit celui de la carrière de Zingaro à Aubervilliers où vivent les chevaux où la scène de la Maison de la Culture de Bobigny où se joue Le Centaure et l’Animal, nous accompagnerons en image et en son les gestes, les paroles et les regards de cet écuyer saltimbanque d’exception." (catalogue Compagnie des Indes).

Résumé : «Rebuild by Design (RBD) a été développé pour le « Groupe de travail présidentiel sur la reconstruction après l'ouragan Sandy » sur la côte nord-est des États-Unis en 2012. Un processus innovant basé sur le modèle de compétition de conception. «RBD» place les communautés locales et les leaders civiques au cœur d'un processus créatif interdisciplinaire robuste pour générer des solutions réalisables pour une région plus résiliente. Ce livre vise à refléter «RBD», à évaluer tous ses aspects et à l'intégrer dans un contexte plus large pour offrir un guide aux politiciens, concepteurs, chercheurs, activistes et autres

Résumé : Ce livre explore le parcours de Charlotte Perriand, de l'esthétique de la machine à son adoption des formes naturelles, et des systèmes de mobilier modulaire aux grands projets architecturaux tels que la station de ski des Arcs. Présentant certains de ses intérieurs les plus célèbres, ainsi que ses meubles originaux, ses photographies et ses cahiers personnels, ce livre jette un nouvel éclairage sur le processus créatif de Perriand et sa place dans l'histoire du design. Il accompagnera la prochaine exposition du Design Museum du même titre, qui coïncidera avec le vingt-cinquième anniversaire de la dernière présentation importante de Perriand à Londres, au Design Museum en 1996.

Résumé : Cet ouvrage, qui en est ici à sa 2e édition, porte sur les initiatives locales et s’intéresse à la problématique du développement socioterritorial, ainsi que du développement socioéconomique des villes ou des régions. Il présente les concepts d’économie sociale, et d’autres concepts associés aux modalités du développement local et socioterritorial (grappes, clusters, milieux innovateurs, etc.). Il expose aussi un certain nombre de cas d’initiatives locales (le technopôle Angus, la Cité du multimédia, le Lab créatif, la Tohu, le cinéma Beaubien et les centres d’artistes autogérés) et invite à une réflexion générale sur ce type de développement, sur le rôle du territoire, sur le rôle de la collectivité, de l’État et des organismes communautaires.

Résumé : Ce catalogue présente la vie et l'oeuvre de Hans Hartung (1904-1989), artiste phare de l'abstraction qui plaça l'expérimentation au coeur de son processus créatif. Au travers de ses peintures, de ses céramiques, de ses tapisseries, d'oeuvres sur papier ou encore de galets peints, est montrée la richesse des innovations techniques qu'il a développées et des outils qu'il a expérimentés. ©Electre 2019 La 4e de couverture indique : "Le plaisir de vivre se confond pour moi avec le plaisir de peindre. Quand on a consacré toute sa vie à la peinture, quand on a essayé d'aller toujours plus loin, il est impossible de s'arrêter. Hans Hartung"

Résumé : Un désastre mondial a fait des centaines de millions de morts. Peu après la catastrophe, quelques centaines de personnes se voient dotés de pouvoirs surhumains. Ils doivent alors découvrir qui ils sont, d'où viennent leurs pouvoirs et quelle est leur responsabilité dans la tragédie. Sont-ils les hérauts d'autres catastrophes à venir ou le dernier espoir de la Terre ? Panini Comics s'engage aux côtés d'un nouvel éditeur américain, AWA Comics, fondé par deux anciens pontes de Marvel : Axel Alonso et Bill Jemas. Les comics sont par ailleurs supervisés par un conseil créatif composé de scénaristes de renom, comme J. Michael Straczynski, Garth Ennis ou encore Frank Cho ! Un nouveau label qui s'annonce très prometteur !

Résumé : Écrit et édité en collaboration avec la Piano Foundation de Gênes, ce volume richement illustré présente les premiers travaux ainsi que les créations les plus récentes, dressant un aperçu complet de sa carrière jusqu'à présent. Depuis ses débuts au Centre Pompidou dans les années 1970 (en collaboration avec Richard Rogers), l'histoire se poursuit jusqu'à la construction de l'une de ses dernières oeuvres, un nouveau pont spectaculaire à Gênes en 2020. Le livre explore tous les principaux projets du studio : les espaces publics et les musées, les aéroports, les théâtres et les bibliothèques. En plus de donner un aperçu unique du processus créatif de Renzo Piano, le livre contient de nombreuses créations et photographies inédites.

Résumé : Célèbre designer et architecte « de campagne », Marc Held livre ses réflexions sur un monde urbain toujours plus dense, plus étendu, plus mortifère. Un monde qui incarne les « valeurs » de notre société consumériste et destructrice, prête à tous les abus pour assurer sa survie. Refusant de voir cette évolution comme une fatalité, l’auteur trace les contours de ces villes de la bio-croissance qu’il imagine, en phase avec les modes de vie respectueux du vivant qu’une certaine jeunesse expérimente déjà. Si la dénonciation des mégapoles et de leurs effets délétères a déjà été largement faite, le regard empathique et généreux d’un professionnel du design et de l’architecture aussi créatif vient enrichir notre horizon et nous redonne envie de ville. (4e de couverture). Célèbre designer et architecte « de campagne », Marc Held livre ses réflexions sur un monde urbain toujours plus dense, plus étendu, plus mortifère. Un monde qui incarne les « valeurs » de notre société consumériste et destructrice, prête à tous les abus pour assurer sa survie. Refusant de voir cette évolution comme une fatalité, l’auteur trace les contours de ces villes de la bio-croissance qu’il imagine, en phase avec les modes de vie respectueux du vivant qu’une certaine jeunesse expérimente déjà. Si la dénonciation des mégapoles et de leurs effets délétères a déjà été largement faite, le regard empathique et généreux d’un professionnel du design et de l’architecture aussi créatif vient enrichir notre horizon et nous redonne envie de ville. (4e de couverture)

Résumé : A Bâle, le Musée d’architecture suisse (S AM) accueille l’exposition monographique Archéologie du Futur de l’atelier parisien Tsuyoshi Tane avec comme objectif de partager ce processus créatif avec le grand public. Quel rôle l’architecture peut-elle jouer dans la médiation entre passé et futur ? C’est la question que l’architecte Tsuyoshi Tane (né à Tokyo en 1979) a constamment abordé tout au long de son œuvre internationale. Chaque projet du cabinet parisien Atelier Tsuyoshi Tane Architects débute par une phase de recherche intensive destinée à fouiller les souvenirs d’un lieu et à les intégrer dans le processus de création : une méthodologie que l’architecte a intitulé « l’Archéologie du Futur ». Jusqu’au 28 février 2021.

Résumé : Un livre qui revient, en essais et en images, sur la déferlante du soft power culturel coréen à travers le monde ces 25 dernières années. Un ouvrage complet qui explore tous les univers : cinéma, séries TV, K-pop, chorégraphies, K-beauty, mode... De Squid Game à BLACKPINK, du hanbok au webtoon, la hallyu – littéralement, la « vague coréenne » – a déferlé sur le monde, installant la Corée du Sud au rang de puissance culturelle de premier plan. Découvrez les origines de ce phénomène et son impact sur le cinéma, les séries TV, la pop, la danse ou encore la beauté et la mode. Experts et professionnels du divertissement sud-coréen vous entraînent dans les coulisses et décryptent les codes de cet univers créatif et dynamique.

Résumé : Leonetto Cappiello (1875-1942) est aujourd'hui reconnu comme l'inventeur de l'affiche moderne. Auteur de certaines de nos plus célèbres images publicitaires (Chocolat Klaus, Cachou Lajaunie, Chocolat Poulain, Lustucru…), l'artiste aux 2 000 oeuvres reste pourtant méconnu du grand public. Proposée par la Maison Bergès, l'exposition Cappiello ou l'art publicitaire vient mettre en lumière sa production – en lien plus spécifiquement avec le territoire des Alpes – et la place qu'elle occupe dans l'histoire des arts graphiques. L'ouvrage qui l'accompagne, riche d'une remarquable sélection d'affiches, de dessins et maquettes préparatoires, entend s'approcher au plus près du processus créatif de l'artiste, analysant ses techniques et ses sources d'inspiration. Symbole d'un début de siècle qui fit de la publicité un art à part entière, l'oeuvre de Cappiello surprend par ses résonances avec la scène graphique actuelle.

Résumé : Présentation des oeuvres aux matériaux variés de la sculptrice française (1933-2010). Leur lien avec la nature et l'omniprésence du corps de l'artiste dans le processus créatif est évoqué. ©Electre 2020 Formée à la sculpture par Ossip Zadkine, Marie-Pierre Thiébaut (1933-2010) collabore en 1967 et 1968, en Algérie, avec l'architecte Fernand Pouillon. La découverte du Sud algérien et de ses constructions traditionnelles aux volumes simples et à la décoration dépouillée influence durablement son art, imprégné par la lumière et par une connivence avec la matière et les matériaux (pierre, bronze, bois et plâtre, mais aussi terre, ciment ou papier). Ses architectures-sculptures épurées traduisent parfaitement le lien intime que Marie-Pierre Thiébaut entretient avec la nature, tandis que ses séries d'empreintes de doigts, paumes, mains, seins et ventres, véritables estampes du vivant, soulignent l'omniprésence du corps de l'artiste au sein du processus créatif. Cette publication accompagne l'exposition organisée par La Piscine autour de deux importantes donations d'œuvres de l'artiste consenties par Michelle Porte. Largement illustré d'images naturelles ou documents d'archives, chaque élément se voit traité en double page ; à gauche l'élément réel, le minéral dont on l'extraie ou sa représentation métaphorique, un court texte de vulgarisation scientifique ; à droite le texte de l'auteur(e). Une importante première partie du livre contextualisera le projet après une préface par Alain Fuchs, Président de Paris Sciences & Lettres et chimiste de renommée mondiale. D'importants fragments de l'œuvre majeure de NOVALIS, Les Disciples à Saïs seront nouvellement traduits pour l'occasion. En fin d'ouvrage, les présentations des auteur(e)s ainsi qu'un glossaire et un index clôtureront le livre. Et comme donner à voir et à lire les éléments ne suffisait pas, le livre est augmenté d'un volet sonore qui fait entendre la musique des atomes, sur une création du Duo Kaïros.

Résumé : Des controverses, il y en a eu et il y en aura toujours. Tabac brun ou tabac blond? Fender ou Gibson? Borg ou McEnroe? Mais l'une d'entre elles a marqué la fin du XXe siècle et résonne encore : êtes-vous Beatles ou Rolling Stones? Mieux qu'aucun autre, mais chacun à sa façon, ces deux groupes auront incarné leur époque et la génération qui les a portés : génie créatif, jeunesse, insolence, libération, sexe, drogue. L'histoire commune qui les a rapprochés les oppose pourtant en permanence. Pas de place pour le compromis. On est Beatles ou Stones, conservateur ou rebelle, sage ou turbulent, pop ou rock. Mais vient un moment où il faut trancher, selon les faits et non les goûts. Nos deux auteurs le font, avec la tendresse qui sied à ces deux géants qu'ils admirent, et démontrent qui, des Stones ou des Beatles, est la véritable matrice musicale et culturelle de ces cinquante dernières années.

Résumé : « The Fendi Set » célèbre la collection Fendi Couture Printemps/Été 2021, la première que Kim Jones ait dessinée pour Fendi. Le livre relate le processus créatif du styliste, se penche sur sa relation avec le Bloomsbury Set, la célèbre communauté d'intellectuels et d'artistes anglais du XXe siècle qui comptait des personnalités influentes telles que Virginia Woolf, Duncan Grant et Vanessa Bell et qui constitue le point de départ et d'inspiration de la collection couture.Le livre contient des annotations et des lettres des membres du groupe Bloomsbury, une préface de Tilda Swinton, un court texte de Kim Jones. L’ouvrage alterne les photos du Sussex et du Kent où le groupe Bloomsbury était actif, les séances photo de la collection Couture Printemps/Été 2021 à Paris, les décors du « Bloomsbury Rome » et les photos de la famille Fendi, avec Anna Fendi, Silvia Venturini Fendi, Delfina Delettrez Fendi et Leonetta Luciano Fendi.

Résumé : Le créateur de mode britannique d'origine nigériane Duro Olowu est reconnu internationalement pour sa marque de vêtements pour femmes lancée en 2004 qui parle d'une sensibilité cosmopolite éclairée par son expérience internationale et une approche mêlant art, culture et mode. Après de nombreuses initiatives et projets les uns plus réussis que les autres, Olowu tourne son regard vers Chicago, organisant une exposition à partir de collections d'art publiques et privées locales, accompagnées des œuvres d'art du Museum of Contemporary Art de la ville.Publié pour accompagner ce grand projet, Duro Olowu: Seeing élucide le processus créatif du concepteur-conservateur. Le catalogue contient un essai de Naomi Beckwith qui éclaire le travail artistique d'Olowu, un écrit de Valerie Steele qui situe ses créations dans le monde de la mode contemporaine, une contribution d'Ekow Eshun examinant le rôle d'Olowu au sein de la communauté créative noire et afro-caribéenne britannique, une interview réalisée par Thelma Golden et une fiction inédite de Lynette Yiadom-Boakye.

Résumé : L'Attaque des Titans est sans conteste l'un des plus grands succès du manga japonais des années 2010. À travers l'odyssée d'Eren et de ses amis, Hajime Isayama plonge son lecteur dans un tourbillon vertigineux de violence, ne cessant de poser cette question universelle : qu'est-ce que la liberté ? Cette chose à laquelle on aspire, mais qui semble inatteignable en raison des multiples chaînes qui enserrent chaque individu. Histoire de survie se transformant en récit de guerre, L'Attaque des Titans est un véritable labyrinthe existentiel où le bien et le mal, le juste et l'injuste, la vérité et l'illusion ne cessent d'être remis en cause.Cet ouvrage revient sur le succès colossal de cette œuvre devenue un pilier de la culture populaire mondiale en proposant une exploration de ses thématiques et de son processus créatif. Loin de s'ériger comme une lecture définitive de l'histoire foisonnante imaginée par Isayama, il contient des interprétations inédites permettant de porter un nouveau regard sur ce monument du manga.

Résumé : Au début des années 1960, une génération d'artistes entend révolutionner la scène artistique, alors soumise à l'art minimal et conceptuel, jugé trop froid. Cela au profit de la performance qui est un dérivé de la danse et du théâtre, moins réglementée, moins mise en scène de façon autoritaire et préalablement réglée, laissant une large place à l'improvisation performance et en intégrant parfois le public. Tout dans la performance – image, texte, musique, voix, gestes – se produit en même temps, aboutissant à une sorte d'œuvre d'art totale dans laquelle le performeur utilise abondamment son propre corps, dans des actions qui peuvent parfois durer plusieurs heures. Ce volume recueille les entretiens avec les pionniers de ce nouvel art : Vito Acconci, Bruce Nauman, Allan Kaprow, Jean Dupuy, notamment, tous américains ou qui ont développé leur art aux États-Unis. Ils permettent de repenser et de replacer l'ensemble de cette pratique dans son contexte historique, de situer ses enjeux ou, simplement, de prendre connaissance d'œuvres d'artistes mus par un formidable élan créatif et une explosion de vie.

Résumé : En quoi et comment l’aménagement des espaces et des équipements de loisir peut-il contribuer au bien-être de la société et de ses populations ? Qu’il s’agisse d’équipements sportifs d’envergure ou de proximité, d’espaces culturels, patrimoniaux, de plein air ou touristiques, situés en milieu urbain, périurbain ou rural, leur aménagement n’est pas une mince affaire. Il faut en effet prendre en compte l’intégration durable et responsable des structures, l’accessibilité et la sécurité des aménagements, la promotion de saines habitudes de vie auprès des populations, bref, il faut être en mesure de concevoir tous les usages possibles d’un aménagement, du plus formel et normé au plus informel et créatif.Cet ouvrage, l’un des seuls en langue française sur le sujet, pose les bases théoriques, pragmatiques et réglementaires pour envisager, concevoir, analyser et mettre en application l’aménagement du territoire sous l’angle du loisir. Il met à contribution plus d’une quinzaine de chercheurs de plusieurs disciplines (études urbaines, sociologie, tourisme, géographie, études culturelles, etc.) qui se basent sur différents exemples québécois et internationaux pour montrer comment le loisir tire son essence, et tout son sens, des divers milieux de vie où il gravite.

Résumé : Ce livre de référence décortique les principes fondamentaux de la conception des jeux, non seulement des jeux vidéos mais aussi des jeux de cartes, des jeux de plateau, des jeux créatifs, etc…Il amène à réfléchir sur le processus créatif de tout type de jeu (vidéo, société, sport, etc.) et à développer son potentiel imaginatif.Son contenu est structuré en 35 chapitres. Le chapitre 1 est centré sur un premier élément : le designer. Les chapitres suivants ajoutent un à un de nouveaux éléments construisant peu à peu le système complexe des interrelations entre le designer, le joueur, le jeu, l'équipe, le client…En outre 112 « points de vue » au fil du texte permettent de réfléchir à la conception des jeux. Chacun rassemble une petite série de questions qu'il est utile de se poser au cours du projet. Ce ne sont pas des recettes mais des outils de réflexion.A la fin de ce livre vous aurez à la fois sur le papier et dans votre tête une carte de ces relations qui constituent un jeu. Celle qui est importante c'est celle qui est dans votre tête. Le but de ce livre est de vous aider à construire vos cartes et à les améliorer.Cette troisième édition s'est enrichie d'exemples en réalité virtuelle et en réalité augmentée largement utilisées dans les jeux vidéo.

Résumé : Réflexions sur les grandes métamorphoses de la création artistique du XXe siècle à l'époque actuelle, intervenues par le biais du feu en tant que motif ou matériau artistique. Issus d'un colloque tenu en novembre 2013, ces travaux reviennent également sur la révolution engendrée par la thermodynamique dans les arts et les sciences de l'art au XIXe siècle. ©Electre 2018"La thermodynamique, ou science de la chaleur, a depuis sa naissance profondément modifié notre conception du monde. Ce n'est plus l'horloge mais, selon Ilya Prigogine et Isabelle Stengers, « la fournaise grondante des machines à vapeur » qui devient le modèle de fonctionnement de l'univers. Ce nouvel imaginaire semble ne pas avoir épargné les sphères de l'art où le hasard, le chaos, l'énergie ou encore l'éphémère sont devenus des notions-clés de la réflexion esthétique. Le feu s'offre dès lors comme un objet d'étude pertinent pour penser et décrire certaines métamorphoses de la scène artistique du XXe siècle à nos jours. Si certains artistes s'en emparent en effet au sein même de leur processus créatif, cet élément redoutable et destructeur devient chez d'autres, plus qu'un médium, un véritable paradigme de l'acte créateur. Cet ouvrage se propose d'analyser le sens et les enjeux de cet « appel du bûcher », pour reprendre l'expression de Gaston Bachelard, où le feu, paradoxalement, fait œuvre."

Résumé : Une théorisation du processus créatif architectural à partir du concept de jeu. L'architecte décrypte des projets réels ou utopiques comme la New Babylon de Constant Anton Nieuwenhuys, le Teatro del mundo d'Aldo Rossi, le Fun palace de Cedric Price et le World game de Buckminster Fuller, pour mettre en avant quatre postures de joueurs et leurs techniques : situation, symbole, diagramme et carte. ©Electre 2023. "Le jeu est paradoxalement ce qui pourrait définir une nouvelle rationalité architecturale. En croisant la théorie psychologique de Winnicott et les philosophies de Gadamar, Fink et Bataille, l'enquête s'aventure dans l'espace du jeu qui unit le sujet créateur et le monde , et se positionne ainsi en amont des distinctions modernes entre imagination et raison, sujet et objet. L'auteur relativise la conception du projet architectural comme intentionnalité pour l'envisager comme un jeu, où l'architecte se saisit du monde autant qu'il est saisi par lui. A partir d'architecture, imaginées ou construites pendant le moment ludique qui voit l'effondrement des doctrines modernes (1950 à 1980), l'ouvrage analyse quatre modes de mise en relation de l'architecte et du monde : aventurier/labyrinthe, metteur en scène/théâtre, bricoleur/jeu de constructin et stratégie/jeu de simulation. Il théorise par là différents outils d'interprétation et de représentation, utiles pour ancrer la pratique architecturale dans une dynamique réflexive. L'ensemble dialogue avec des oeuvres présentées dans l'exposition "Architects at play", formant une série d'antichambres qui font pénétrer dans les différents mondes d'une architecture joueuse. (4e de couverture)

Résumé : "L'homme est l'espace créatif dans la complexité de l'infini. C'est à partir de ce positif que je continuerai à travailler, ou plutôt à partir de cette idée qui n'est ni rationnelle ni intellectuelle, sinon je me rendrais prisonnier". -Karel Appel En tant que membre fondateur du groupe Cobra, Karel Appel a appartenu à l'une des avant- gardes européennes de l'après-guerre ; en tant que peintre de la Nouvelle École de Paris, il a connu ses premiers succès dans les années 1950. Faisant la navette entre New York et Paris, il a recherché tout au long de sa vie la confrontation artistique avec l'inconnu : un style inconnu, un motif particulier, l'interaction entre la sculpture et la peinture. Le livre documente quatre expositions de son travail à la Galerie Max Hetzler à Berlin et à Londres entre 2019 et 2023. Deux expositions explorent l'influence de la première visite d'Appel à New York : d'une part, il a trouvé sa voie dans l'action painting - dont l'apogée est représentée par son tableau mural pour la Documenta 1964 qu'il a peint sur place en une nuit - et d'autre part, il a abordé le sujet académique de la peinture de nu d'une manière tout à fait non académique. Le livre se concentre ensuite sur une sélection rétrospective de l'œuvre tridimensionnelle de l'artiste, allant de pièces en bronze et en terre cuite à des peintures d'objets et à des assemblages absurdement poétiques d'objets trouvés carnavalesques. Enfin, Appel est revenu au thème du nu dans des dessins surdimensionnés et des peintures expressionnistes des années 1980 et 1990. Le livre suit donc différentes lignes avec de nombreuses ramifications à travers une œuvre créée au cours de soixante années, ce qui laisse beaucoup à découvrir.

Résumé : Un ouvrage consacré aux enjeux du procédé créatif du peintre F. Picabia sous l'angle du moi et de l'image. De ses oeuvres abstraites de 1913 à sa peinture maximaliste, dites des Monstres, entre 1924 et 1927, l'auteure propose de voir dans la formalisation de l'ego un processus clé de la modernité. ©Electre 2020 « Moi je ne suis rien, je suis Francis Picabia. » C'est dans cette tension entre exaltation et rejet du moi que l'artiste a indiqué sa position dans la modernité. Son refus de l'action collective s'est exprimé au cœur de la Grande Guerre dans une œuvre centrée non pas sur l'histoire ni sur des problèmes plastiques, mais sur le moi. Aujourd'hui pense à moi prend le pari que son sujet est également son outil d'analyse et qu'il se nomme Ego. Couvrant une période qui va de l'abstraction de 1913 chez Picabia jusqu'à sa peinture maximaliste dite des Monstres entre 1924 et 1927, ce livre révise certaines des certitudes les mieux établies sur l'œuvre et propose de voir dans la formalisation de l'ego un processus clé de la modernité, producteur de ses propres ruptures. Articulé à l'analyse freudienne de la mélancolie, ego devient une procédure conceptuelle qui contraint à reposer l'ancienne problématique mimétique. « On ne peut mettre dans le coffre la clé qui ouvre le coffre » nous dit l'historien. C'est pourtant ce que l'art de Picabia – ce coffre à double fond – systématisa. Face à la menace de la mécanisation définitive de l'art (dont les images produites aujourd'hui à l'ère du capitalisme narcissique sont les surgeons directs), sa réponse en forme de répétition mélancolique résida dans le détournement occulte de l'image. « Moi je ne suis rien, je suis Francis Picabia. » Ce livre s'attache à montrer les enjeux de cet aveu en forme de nom propre dans la modernité

Résumé : «Pratiquer la philosophie au primaire vous permet d’acquérir des connaissances et vous propose des outils pour faire vos premiers pas dans l’animation de dialogues philosophiques avec vos élèves. Cet ouvrage ne vise pas à conduire les élèves à s’approprier les différentes théories philosophiques ni à en faire de « petits philosophes ». Il s’agit plutôt de leur offrir un contexte centré sur un dialogue à l’intérieur duquel ils pourront se poser ensemble des questions centrales de l’existence humaine. Les élèves développent ainsi leurs habiletés de pensée, leur capacité de communication, leur esprit critique, créatif et attentif, ainsi que différentes qualités telles que l'ouverture, l’empathie et l’estime de soi. Par ces dialogues philosophiques, les élèves sont également amenés à développer des aptitudes de collaboration essentielles au vivre-ensemble et à l'exercice d'une citoyenneté participative. Véritable mine d’or d’informations et de conseils pour découvrir et mieux comprendre la philosophie pour enfants, la première partie de l’ouvrage vous offre entre autres : • une brève présentation de l’historique, des méthodes et des principes de cette pratique fondée sur le questionnement ; • les sept règles d’or à respecter lors de l’animation d’un dialogue philosophique ; • les sept pièges à éviter ainsi que des stratégies pour les surmonter ; • des indications précieuses liées à la disposition de la classe ainsi qu’à l’animation, comme la gestion des droits de parole et des silences ; • des exercices variés pour développer des habiletés intellectuelles particulières ; • des repères utiles pour faciliter l’animation ; • des pistes et des grilles pour l’évaluation. La seconde partie propose des outils concrets à utiliser selon vos besoins pour mettre en place cette pratique passionnante ! Vous y trouverez par exemple de nombreuses activités thématiques comprenant des suggestions d’ouvrages de littérature jeunesse, des plans de discussion et de nombreuses fiches reproductibles pour alimenter les réflexions.»

Résumé : Publié à l'occasion de la première rétrospective en France de Jeremy Deller, lauréat du prestigieux Turner Prize en 2004 et représentant de son pays à la Biennale internationale d'art contemporain de Venise en 2013, Art is Magic dresse le panorama le plus complet de son travail des années 1990 à ce jour, à partir d'une quinzaine de projets et d'œuvres majeures qui ont ponctué son parcours.Jeremy Deller s'intéresse aux cultures populaires et aux contre-cultures. Les questions sociales, l'histoire, mais aussi la musique, sont au centre des investigations de l'artiste. Teintées d'un discours socio-politique assumé, ses œuvres font un lien entre la culture – vernaculaire ou de masse – et le monde du travail. Ses recherches l'ont mené à explorer l'histoire sociale de son pays et du monde à travers les conflits sociaux de l'ère thatchérienne, le groupe Depeche Mode, le monde du catch, les ferments du Brexit, ou encore l'Acid house et le mouvement rave, avec le souci constant d'impliquer d'autres personnes dans le processus créatif. Art is Magic constitue une tentative de relier les œuvres clés de la carrière de Jeremy Deller avec l'art, la musique pop, le cinéma, la politique et l'histoire qui ont inspiré son travail. Deller a fait couler beaucoup d'encre au fil des décennies, mais c'est la première fois qu'il rassemble toutes ses sources culturelles. L'ouvrage est divisé en trois sections : un guide visuel de ses œuvres préférées, des réflexions approfondies sur sa vie et sa pratique artistique et, enfin, un album d'images expliquant ce qui le motive (de Rod Stewart aux chauves-souris, du juke-box parfait aux têtes de hache néolithiques). Le livre présente des œuvres qui ont jalonné la vie et la carrière de Deller, la plupart inédites. S'y entrecroisent ainsi son installation gonflable pour le festival international de Glasgow, la grève des mineurs (son film sur la bataille d'Orgreave), les chauves-souris (sujet d'au moins trois des œuvres de Deller), Andy Warhol (qu'il a rencontré en 1986), les liens entre la révolution industrielle et le heavy metal, et les busards cendrés picorant les yeux d'un député conservateur (figurant dans sa fresque contre la chasse au gibier créée pour la Biennale de Venise).

Résumé : Minoru Onoda is best known as a member of Gutai, Japan's first postwar radical artistic movement, which challenged what it saw as the rigid, reactionary ideologies of the art of the time and initiated new ones that redefined the relationships among matter, time, and space. Concurrent to the inception of Gutai, Onoda became enchanted by concepts of repetition, producing paintings and drawings with amalgamations of gradually increasing dots and organically growing shapes. But less is known in the West about Onoda's early and late-career work. At long last, this first full book on Minoru Onoda introduces him as an artist in his own right. Apart from his role with Gutai, the book mines Onoda's sketchbooks and completed works to explore his creative process over time, from his artistic education in the 1960s at the Osaka Institute of Fine Arts and the Osaka School of Art to his later works following the 1972 disbanding of Gutai, which see the artist moving toward a monochrome and more conceptual style. Alongside critical essays by Edward M. Gómez, Astrid Handa-Gagnard, Shoichi Hirai, and Koichi Kawasaki, and Takesada Matsutani are 175 full-color illustrations.. Minoru Onoda est surtout connu comme membre de Gutai, le premier mouvement artistique radical d'après-guerre au Japon, qui a remis en question ce qu'il considérait comme les idéologies rigides et réactionnaires de l'art de l'époque et en a initié de nouvelles qui redéfinissent les relations entre matière, temps et espace. Parallèlement à la création de Gutai, Onoda s'est laissé envoûter par le concept de répétition, produisant des peintures et des dessins avec des amalgames de points en augmentation progressive et de formes organiques en croissance. Mais on en sait moins en Occident sur le travail d'Onoda en début et en fin de carrière. Enfin, ce premier livre complet sur Minoru Onoda le présente comme un artiste à part entière. Outre son rôle auprès de Gutai, le livre présente les carnets de croquis et les oeuvres achevées d'Onoda pour explorer son processus créatif au fil du temps, de sa formation artistique dans les années 1960 à l'Institut des beaux-arts d'Osaka et à la Osaka School of Art à ses œuvres ultérieures, après la dissolution de Gutai en 1972, qui voient l'artiste évoluer vers un style monochrome et plus conceptuel. Outre les essais critiques d'Edward M. Gómez, Astrid Handa-Gagnard, Shoichi Hirai, Koichi Kawasaki et Takesada Matsutani, sont rassemblées 175 illustrations en couleurs.